Pervivencia del Clasicismo: ARTE ASTURIANO

San Salvador de Priesca (Villaviciosa)

Esta pequeña iglesia consagrada en 921 estilísticamente guarda grande similitudes con San Julián de los Prados-Santullano.

En efecto, volvemos a encontrar decoración sobre estuco, con imitación arquitectónica, propiamente romana.

desgraciadamente, las pinturas no nos han llegado en buen estado, por culpa de las sucesivas restauraciones y por el incendio que sufrió en la guerra civil.

Es resaltable el parecido con la decoración de edificios romanos, como la casa de Augusto y Livia en el Palatino.

Pervivencia del Clasicismo: ARTE ASTURIANO

San Julian de los Pardos de Santillano

El arte asturiano se desarrolló en la zona de Asturias y radio de influencia (desde Galicia a Leon) tras la caida del arte visigodo y siendo absorbida finalmente por el arte románico. Tomó elementos aislados de la estética visigoda, pero los fundió con otras influencias como la carolingia y la tardorromana. Por tanto, estamos ante una revitalización del arte clásico en la península ibérica muy claro en la arquitectura, pero también en la pintura.

El paso del tiempo no ha sido benévolo con las pinturas murales de casi ningún edificio medieval. Hoy nos pueden parece edificios sencillos, sobrios. Nos puede sorprender el descuidado uso de los sillares, pero debemos entender que estaban concebidos para ser pintados y decorados. El austero aspecto que hoy presentan los edificios desde visigodos hasta románicos es muy distinto al derroche de color y suntuosidad que presentan en su día.


Y esa decoración, en el caso asturiano era pintura sobre estuco simulando motivos arquitectónicos y escenografías con trampantojo, claramente enraizadas en la pintura romana conocida como "segundo estilo" o estilo arquitectónico.

Pervivencia del Clasicismo: RENACIMIENTO OTONIANO

Salterio de París

Como herederos del renacimiento carolingio, El arte otoniano siguió recurriendo a la pintura romana como referente pictórico, si bien influido por la estética bizantina, que en ese momento inundaba toda la europa cristiana. Así, aun en el siglo X seguimos encontrando características similares como la corporeidad en las figuras para lograr la tridimensionalidad y los fondos aquitectónicos clásicos.

En este manuscrito se ve un paso más, mostrando incluso una escena pastoril del corte más clásico para ilustrar la juventud de Moisés. Toca una lira, de manera similar a las iconografía de Orfeo, rodeado de ninfas y con una personificación del Río.

De clásico a medieval

Este Relieve no pertenece al arte medieval, como podria parecer de un primer vistazo. Es, nada más y nada menos, que un encargo imperial por parte de Teodosio en el 390 como basamento del obelisco del hipódromo de Constantinopla. Es un ejemplo que viene muy bien para explicar la aparición del arte medieval como gestación del propio arte clásico.

¿Qué generó este cambio artístico? El Cristianismo, desde luego, tuvo mucho que ver. Cuando se cataloga el arte paleocristiano como medieval, no solemos percatarnos de que es una arte que nació en el S.I, con el nacimiento mismo del Imperio Romano (aunque al arte cristiano anterior a su legalización se suele catalogar no como paleocristiano sino como cristiano primitivo. No obstante, estamos hablando del mismo arte, solo que en la clandestinidad).

El arte palocristiano es arte romano, solo que llevaba el germen del futuro arte medieval. Es arte clásico, pero va perdiendo ese clasicismo a lo largo que va evolucionando hasta llegar a Constantino y el punto de inflexión que supuso.

La nueva religión trajo una manera simbólica de plasmar el arte que, curiosamente, entroncaba muy bien con la concepción clásica artística de Platón. De una manera sintética, De una manera sintética, De una manera sintética, De una manera sintética, consideraba el mundo sensible, aquel que percibimos por nuestros sentidos, como una sombra del mundo de las ideas. Cada elemento particular que encontramos (una piedra, por ejemplo) no es más que una sombra de la idea absoluta de piedra, que habita en esta realidad sino en el mundo de las ideas. El filósofo griego rechazaba el arte representativo por ser ésta una "mímesis" de esas sombras, en vez de representar la idea abstracta de la que es un relejo.

El Cristianismo actuaría estéticamente de una manera muy similar (de tal manera, que llegó a reinterpretar la filosofía de Platón en nueva clave cristiana con el neo-platonismo) El mundo sensible se desprecia para llegar al concepto, a la idea, que es lo que se busca representar. De esta forma se llega a un arte de corte más abstracto y conceptual.

También hay que tener en cuenta la imposibilidad de hacer representaciones cristianas de una manera libre, lo cual obligó a los cristianos a realizar un arte simbólico, que no les comprometiera, hasta el siglo IV, por lo que hasta que fue legalizado, llevaba cuatro siglos de evolución hacia el abstracto.

De igual manera, y como consecuencia de lo anterior, el cristianismo rechazó la individualidad o visión individualista del mundo. Esto supuso el abandono de la visión humanista del mundo. La consecuencia directa más clara fue el abandono de la perspectiva o tridimensionalidad, puesto que esto refleja una vision particular del espacio. En general, se huye de toda visión individual de la realidad.

Hay otra razón por la cual rechazó el realismo/idealismo estético. La necesidad de diferenciarse de la religión anterior. Esto es algo que no se suele resaltar pero todas las sociedades tienden a reivindicar sus rasgos característicos que los diferencien. A este respecto, el Cristianismo no seguiría las mismas pautas que la religión romana a la que termimaría supliendo para marcar que era una religión distinta.

Así, la estética clásica se vio relegada a una situación residual, pero sienpre latente, durante un milenio, esperando cualquier resquicio o situación favorable para volver a la luz.

Otras Visiones del Clasicismo: Rygar

Puede parecer un poco fuera de lugar (cuando no directamente "freak") que haga una entrada en la cual el tema principal es un videojuego. En realidad, no voy a hablar de un videojuego, sino de cómo refleja otra cultura y un lenguaje artístico nacido muy lejos el mundo clásico y los orígenes de nuestra civilización (o nuestra civilización, a secas).

El videojuego como tal nació en Estados Unidos en 1948, pero el despegue de este lenguaje a nivel social, económico y artístico llegaría cuatro décadas más tarde y muy lejos del país que lo vio nacer. Esa completa focalización del videojuego en un punto determinado del globo se mantiene hasta nuestros días de tal manera que la palabra videojuego en inconcebible sin la de Japón a su lado.

La temática que la Meca del ocio interactivo ha aportado a este mundo es de una diversidad casi inabarcable y continuamente la sigue expandiendo. Aunque tiende a tener una visión muy centrada en el público y cultura japonesa, de vez en cuando hace guiños a la cultura occidental y, en contadas ocasiones, se ha centrado en la cultura grecolatina. Y esto es algo que me resulta terriblemente interesante.

Estudiar cómo una sociedad sin ningún lazo histórico o social con la europea (en principio) entiende y recrea nuestra historia y cultura, me resulta fascinante.

Así que veamos cómo se entiende el clasicismo y nuestro legado gregolatino desde el país del Sol naciente tomando un videojuego concreto como objeto de análisis.

RYGAR: THE LEGENDARY JOURNEY

Este videojuego es la continuación de una reacreativa de los años 80. Su historia es terriblemente simple. Rygar es un gladiador enamorado de una princesa soprano de rasgos sospechosamente idénticos a los de Britney Spears. Los Titanes escapan del Hades, secuestran a la amada y Rygar, equipado con un escudo con el que atacar a modo de yo-yo, se recorre el inframundo para rescatar a la princesa.

A nivel argumental, Rygar toma elementos sueltos de la religión griega y las mezcla sin demasiado sentido. A saber, Rygar, el nombre del héroe es una palabra anglosajona, que nada tiene que ver con la lengua helena. Seguramente sea una cuestión comercial, para hacer más atractivo el título. Por otra parte, su antagonista es Equidna, el monstruo medio ninfa, medio serpiente que en este juego no sólo es una bella fémina a la usanza manga, sino que resulta ser una titánide. Los titanes parecen ser un cajón de sastre. Todos los enemigos son titanes, desde Ícaro hasta Cronos. Incluso todo tipo de enemigos de diseño claramente japonés, como una larvas mecanizadas, arañas infernales, todo tipo de cíclopes y hasta gremlims son siempre algún tipo de titan. Hay una mezcolanza extraña con respecto a Equidna. El reino de Rygar es una isla inventada en pleno Egeo, del tamaño de Creta, llamado Argus. Argus (o Argos) fue el gigante de 100 ojos que asesinó a la montruo viperina. Mención especial tiene el diseño de la Hidra (cómo no, otro Titán...). Un monstruo con cabezas de bebé.

Bien, lo verdaderamente interesante del juego es el tratamiento idealizado que nos da del mundo clásico. Japón debe de estar imbuido de las imágenes del Foro romano semidestruído, de los yacimientos arqueológicos, de su Coliseo en ruinas y es exactamente así como nos presenta el mundo Clásico: en ruinas.

Verdaderamente, ningún japonés creerá que los edificios clásicos se levantaron a medio construir, pero lo que nos recrean es una "postal" de lo que hoy se conserva de la arquitectura clásica. Una visión romántica de las ruínas romanas. La única referencia real clásica es a nivel de escenario, porque para todo lo demas, estamos viendo cultura japonesa. A este respecto, hacen referencia a edificios reales, como el citado coliseo o el propio panteón, aunque a una escala agigantada con respecto al orginal. La publicidad rezaba que los diseñadores habían viajado a Europa para documentarse, pero se dejaron embaucar por las sugerententes imágenes de los monumentos arruinados más que en el estudio de lo que debieron ser en origen.

Otra curiosidad es el uso de la música flamenca para para ambientar ciertas fases del juego localizadas en la cultura minoica. Esto se ha convertido prácticamente es un tópico español. La asociación entre la cultura clásica y prehelénica con España viene por dos vías. la obvia es la asociación de los motivos taurinos minoicos con la tauromaquia y la otra, más sutil pero cada vez más impuesta, es la asociación del adjetivo "latino" como sinónimo de hispano.

Cita

"Y no es raro que el demasiado dominio de la técnica conduzca a la esterilidad artística: al 'academicismo'. Impecable, correcto, preciso: son valores de dominio técnico que, exagerados, matan de raíz los valores artísticos."



Aristóteles: La poética
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(El enemigo en casa)

Ideas preconcebidas sobre la MODERNIDAD

Buscando información acerca de un cuadro del pintor ruso Malevich (exponente de lo que se conoce como minimalismo o suprematismo), he encontrado las palabras de un profesor de arte en las cuales rebate los tópicos e ideas comunes acerca del arte de las vanguardias. Para ello toma como referencia la obra maestra de tal artista, blanco sobre blanco.

Voy a copiar sus exposiciones y por último daré mi opinión acerca de algunos puntos en los que no creo que esté acertado.

Es muy básico y esquemático, pero da en la clave de lo que gran parte del gran público piensa al encararse con una obra de arte como la que toma por ejemplo.

Ideas básicas:

- Buscar entender el porqué el autor llega a hacer la obra, no que guste (el gusto es muy personal).

- No ver sólo la obra en sí, sino la evolución que llega a hacer en este resultado final (porque llega a Blanco sobre blanco).

- Entender la belleza - lo que es bonito – como algo muy personal (“la belleza ideal se refleja en el amor”).

- Mucha gente opina: “esto lo hago yo también” físicamente: sí, mentalmente: no. (Toda creación tiene su parte formal – física – que muchos la pueden hacer, pero hay una parte de creación – intelectual, mental -, que es mucho más difícil.

Por ejemplo: el signo y símbolo de “La Caixa”, hecho por Miró. La canción “Macarena” de los Del Río.

- También muchos dicen: “si lo hago yo ninguno lo querrá, no lo pondrán en ningún museo”

Hazlo haber [sic] que sucede. Esto es debido a que seguro que el artista ya ha demostrado muchas cosas antes de llegar a este resultado, ha demostrado su valor. Por lo tanto, es muy importante entender su evolución desde el principio (mucha gente cree que este tipo de artista no sabe pintar figurativo, cosa totalmente falsa).

Por ejemplo (artistas iniciados con dominio de lo figurativo): Picasso, Miró, Rotko, Mondrian, ...

- Los verdaderos artistas evolucionan, van más allá de la parte y el dominio formal.

Por ejemplo: Comparar dos “Piedades” de Miguel Ángel (la “Piedad del Vaticano” y la “Piedad Rondanini”), o comparar las obras de juventud de Picasso con obras suyas de los años 50 o posteriores.

- “El arte por el arte”: es muy importante entender esta idea.

Muy bien. Esta exposición da en una clave importante de cierto tipo de arte de escaso valor formal. Expresiones artísticas como las instalaciones, el arte conceptual o estilos pictóricos como el citado minimalismo destruyen la idea del artista como profesional con una técnica y conocimientos formales capaces de crear algo único que el resto de personas no pueden hacer. Ciertamente, el blanco sobre blanco lo puede hacer cualquier persona. El valor de esa obra no está en su forma sino en su contenido.

Aquí empieza mi primera diserción, en que sea el valor intelectual y no el plástico el valor de una obra de arte.

Toda la humanidad piensa, hasta la última persona está llena de infinidad de conceptos y razonamientos. Malevich no es artista por pensar. Pensar lo hacemos todos. Que llegara a la conclusión de lo interesante que podría ser pintar un cuadrado blanco sobre un fondo blanco no lo convierte en pintor.

Que el valor de la obra es el concepto, el contenido intelectual es válido en una conferencia, en un tratado artístico, en un debate. Pero no en un cuadro, máxime cuando al observar la obra sólo sabemos que es un cuadrado blanco dentro de otro cuadrado blanco. El artista no se molesta en que el espectador pueda saber cual es el planteamiento que lleva detras la obra (de haberlo).

Se puede decir que tampoco sabemos qué es lo que el Bosco explica en sus cuadros, pero la gente de su época sí lo sabía. El significado de sus símbolos se ha perdido en el tiempo, pro no se trata de un artista hablando consigo mismo. Y en el caso de que así fuera, como último recurso, podemos ver un cuadro de El Bosco y maravillarnos de su técnica. Malevich no puede decir eso.

"Si lo hago yo nadie lo querrá". Está claro que muchos cuadros están en museos o se pagan cantidades astronómicas por la firma, no por el cuadro en sí. Eso creo que dificilmente se me puede rebatir. Todos los grandes pintores han hecho cuadros muy malos que sólo tienen una fuerte cotización por ser de quien es. Incluso los han pintado simplemente para venderlos sin más. Así que está claro que si el blanco sobre blanco lo pinta mi vecino nadie lo querrá. No entiendo que el analista quiera discutir esa frase.

Sobre lo de que pintores como Malevich también saben pintar figurativo, no sé qué justifica eso. No estamos juzgando su obra figurativa, la cual no tiene que ser forzosamente mejor que la abstracta. Estamos juzgando el Blanco sobre Blanco.

Me da igual que Roger Federer tenga 15 Grand Slams. Si cae en primera ronda de un torneo, es que ha cometido un pésimo partido. En el conjunto de su carrera puede dar igual porque nadie niega que sea el mejor tenista de la historia, pero no se puede amparar en eso al caer en primera ronda. Es ese partido el que estamos analizando, y en este caso analizamos Blanco sobre blanco.

De todas maneras, el planteamiento cae en una fuerte contradicción. Dice textualmente "el artista ya ha demostrado muchas cosas antes de llegar a este resultado, ha demostrado su valor"... eso significa que pintar Blanco sobre blanco NO tiene valor alguno por sí mismo, el valor lo demostró antes de pintar ese cuadro.

Por la boca muere el pez.

Por último, es rotundamente falso que los verdaderos artistas evolucionen. Todo el mundo evoluciona. Nadie es la misma persona ni hace lo mismo con 20 que con 80 años, así que los grandes artistas evolucionan, por supuesto, pero al igual que el resto de artistas.

Y un artista no es forzosamente mejor por haber variado su estilo a lo largo de su carrera. La historia está repleta de primerísimas figuras cuyas últimas obras mantenían el mismo estilo de sus primeras. Pongo estos tres ejemplos.

Tanto el David de Caravaggio como Marte desarmado por Venus y las tres Gracias de Jacques Louis David son la obra póstuma de ambos artistas, y mantienen el mismo estilo y características de sus primeros cuadros.

Chair Train, de Edward Hooper, fue realizada un año antes de morir.

Son peores estos tres artistas que Malevich por no haber variado su estilo?