La vuelta al orden (II)

La segunda entrada del año está dedicada igualmente al resurgir del clasicismo durante el periodo de entreguerras e, igualmente, ilustrado por Picasso. El malagueño simbolizó todo el arte del siglo XX y sigue siendo así cuando de la vuelta a lo clásico se trata.

Este grabado fue uno de los 30 con los que ilustró Las metamorfosis de Ovidio en 1930. Artistas contemporáneos (a nosotros), como el mediático Juan Adriansens, los han descrito como los mejores dibujos de la historia del Arte posteriores a Ingres.

A ver... Todo lo que tiene que ver con Picasso está muy maximizado debido a la importancia de su obra durante el siglo XX (Picasso es, simplemente, el siglo XX), pero esto no deja de ser un "dibujito" con buena composición y firmeza en el trazo. Y más si se compara con el maestro francés.

Al César, lo que es del César.

La vuelta al orden

Las vanguardias nacieron con el inicio del S. XX. Esa especie de "Arte anti-Arte", que rechazaba todo el trabajo precedente (Al menos, tal y como se entendía formalmente) tuvo en 1916 un primer revés: El estallido de la primera guerra mundial. El horror que sacudió Europa hizo que el mundo del arte se replanteara el camino que estaba siguiendo y si no estaban creando un arte esteril. Al fin y al cabo, las épocas de crisis no son tiempos para la experimentación, sino de ir a lo seguro.

En menos de dos décadas, el arte europeo volvió a vivir un renacimiento del arte figurativo que derivó en un segundo periodo del arte moderno, pero esta vez representativo (Surrealismo, Dadaísmo y, fuera de las vanguardias, el siempre ignorado Art Decó) A esto se le llamó "El regreso al orden".

Incluso el rey de la Vanguardia, Picasso, volvió al arte figurativo (como la obra que ilustra esta entrada, de 1916)

Curiosamente, la segunda guerra mundial provocó la reacción contraria, dando como consecuencia una radicalización del arte abstracto y conceptual.

Pervivencia del arte clásico: S. XX

Edificio La Unión y el Fénix, Madrid, 1929

Elegante edificación de Modesto López Otero, antigua sede de la compañía de seguros y hoy ocupado por un hotel. El clasicismo formal está rematado por una escultura mitológica (Ganímedes y el Fénix).

Lo más interesante de este edificio, en el tema que tratamos en este blog, es que ese gusto clásico en plena ebullición del racionalismo no se debe a la tradición arquitectónica española, sino a la influencia de la arquitectura norteamericana contemporánea (El Art Decó).

Pervivencia del Clasicismo: S. XX

Hombre y Mujer, Antonio López

Puede parecer raro incluir a Antonio López como parte de la tradición clásica, pero fijándonos bien descubrimos cómo estas dos esculturas son una revisión de la plástica griega. La figura masculina adquiere la posición convencional, una pierna sosteniendo el peso del cuerpo y la otra exonerada. Tras el primer vistazo al naturalismo hiperrealista, es fácil ver esta estructura clásica.

El movimiento del cuerpo es más estático. La plástica clásica poseía una idealización y belleza, aquí sustituída por un áspero naturalismo. Sin embargo, la base de la escultura hay que buscarla en la tradición griega.

La figura femenina carece del contraposto, como es lo propio de las kourés arcaicas. La desnudez de esta obra contemporánea provoca ese extraño sentimiento sublime propio del hiperrealismo.

El horror ante la vejez, ante ser incapaz de diferenciar si es arte o personas reales, ante el aspecto alienado que reflejan te hace entrar en una experiencia estética incapaz de ser aprehendida por la razón.

Pervivencia del Clasicismo: S. XX

Valentin Serov: El rapto de Europa, 1910

Valentin Serov fue uno de los más importantes retratistas rusos de fines del siglo XIX. De fuerte carácter realista, se dejó influenciar por el simbolismo e impresionismo, dando como resultado un estilo bastante rico. En plena efervescencia del arte moderno, el artista se centró en el arte mitologico dando libertad a su influencia modernista.

Esta representación de Europa raptada por Zeus es una muestra de cómo el simbolismo se adentró en el siglo XX, la época de las vanguardias. Sobresale el carácter "antiguo" de la representación. La dama está diseñada como una escultura arcaica griega e, incluso, el dios no es un toro, sino un Uro (Su antepasado).

De esta manera nos adentra en los inicios de la historia, donde se funde mito y realidad.

Pervivencia del Clasicismo: S. XX

John Singer Sargent: Orestes perseguido por las Furias, 1927

John Singer Sargent fue un pintor norteamericano nacido en Italia célebre por la elegancia y exquisitez de sus retratos. En una época de combulsas revoluciones artísticas él fue siempre fiel al realismo pictórico de confesada influencia velazqueña.

Esta obra de tema mitológico parece salida del pincel de un autor modernista, pero está alejada temporalmente de ese estilo. Revela el momento en el que la culpa persigue al héroe trágico de la guerra troyana tras asesinar a su madre. Pese al gusto de su autor por los interiores pormenorizados, los sustituye por un violento rojo, tal cual la sangre derramada en las manos del asesino.

Es uno de los pocos ejemplos del siglo XX en los que la mitología se ha tratado como tema en sí, no como ejercicio de estilo o revisión histórico-artística.

Pervivencia del Clasicismo: S. XX

Réplica de las esculturas de Pablo Gargallo (1881-1934) para el estadio olímpico de Montjuic (Barcelona). El escultor de la vanguardia española más importante nunca entendió la modernidad como conflicto con la tradición ni como superación de ésta, sino que escenificó perfectamente la convivencia entre ambas.

Pervivencia del Clasicismo: S. XX

Ángel López-Obrero Castiñeira: Retrato de Mercedes Miarons, 1945

Este cordobés fue abandonando sus posturas vanguardistas (especialmente surrealistas) a partir de la II guerra mundial y su ingreso en un campo de concentración francés.

Poco a poco fue superando al arte moderno y reencontrándose con las raices clásicas del arte, como en este reposado retrato de su propia esposa.

Pervivencia del Clasicismo: S. XX

Paul Cadmus 1904-1999

Paul Cadmus fue un artista norteamericano cuya obra es uno de los principales ejemplos del realismo pictórico en la era de las vanguardias. Su estilo se caracteriza por la desfachatez, lo desenfadado y una cierta caricaturización formal, dentro siempre de la figuración. Pese a ello, tuvo importantes obras de corte indudablemente clásico.

Toda su producción estuvo marcada por el desnudo masculino. Este es el aspecto que más nos interesa a un nivel clasicista: El recurso del repertorio y forma clásica como pretexto erótico (generalmente homoerótico). La pintura pompier, el academicismo francés del siglo XIX y sus venus (im)púdicas ha derivado hoy principalmente en el desnudo masculino, muchas veces clásico y mitológico como una mera excusa de realizar una obra erótica. El ejemplo que ilustra la entrada es especialmente elegante, e incluso recatado, lo cual no suele ser la tónica de los desnudos modernos "clasicistas" (ni la del propio Cadmus).

Despropósito

En la ciudad de Viena, en la orilla del río Donaucanal, se encuentra el distrito de Spittelau. Durante mucho tiempo se había considerado un terreno indificable por su aislamiento, a lo que se se suma la ubicación de un viaducto abandonado. La importancia de esa obra de ingeniería es debida a haber sido levantado por Otto Wagner, la principal figura de la arquitectura modernista austríaca.

El monumento fue declarado patrimonio histórico, lo cual no impidió a la arquitecta Zaha Hadid levantar a su alrededor este conjunto de viviendas en 1994.

El problema de la obra es su absoluta falta de respeto a la obra de su antecesor. Bajo el manido (y hueco) pretexto de "diálogo con el entorno", impone su edificio sobre el anterior, que queda minimizado y por poco casi desaparece de la visión del espectador.

Es un defecto muy común en las intervenciones sobre edificios históricos. El arquitecto actual da por hecho que es el edificio antiguo el que está al servicio del suyo, dando como resultado obras como esta. La obra de Wagner se limita a ser el pedestal del nuevo monumento.

Aparte del aspecto artístico, el conjunto supuso igualmente un despropósito a nivel funcional/econónmico. El proyecto costó 10 millones de euros y alberga sólamente 31 viviendas.

La culpa, como siempre, de la administración que lo ha permitido.

Pervivencia del Clasicismo: S. XX

Arturo Martini: Tobiolo, 1934

Arturo Martini fue un escultor formado en el clasicismo que rápidamente desembocó en el arte moderno. No obstante, mantuvo siempre un cordón umbilical que le mantuvo siempre conectado con una cierta manera con su origen clásico. A veces por la temática clásica o tradicional (mitológica, incluo), otras por una relativa carga formal más clasicista, pero siempre desde una sensibilidad claramente moderna.

Pervivencia del Clasicismo: S. XX

La ilustración de libros durante el siglo XX ha sido uno de los refugios del arte académico en un momento en el que la ruptura con la tradición era el nuevo dogma del arte. Si la temática del libro era precisamente mitológica, el clasicismo en pleno siglo de las vanguardias estaba asegurado.

La pintora Virginia Frances Sterrett realizó unas ilustraciones para el libro "Cuentos de Tanglewood para niños" en 1921 (mismo año que Picasso realizara su famoso cuadro de los tres músicos, una de las cumbres del cubismo)

Este libro era una recopilación de episodios religiosos griegos que la pintora ilustró con una sencillez, mesura, elegancia y respeto a la tradición pictórica poco habitual en el siglo pasado.

Alegoría de Hispania

Uno de los recursos iconográficos tomados del legado clásico más recurrente ha sido la Alegoría de Hispania. Durante las dos repúblicas se prodigó especialmente y es, seguramente, a lo que más se asocia hoy en día.

La primera representación de Hispania surgió en la República romana, en el 81 a. C. y consistía en una cabeza de mujer sin más atributo que la leyenda HISPAN. No obstante, el modelo que se consolidó y que ha llegado a nuestros días es el que fijara Adriano.

Se trata de una figura femenina con una túnica larga, coronada con laurel u olivo, reclinada hacia la izquierda, con su brazo izquierdo sobre unas rocas, que podrían hacer referencia a los Pirineos. Con su mano derecha sostiene una rama de olivo. A los pies de la figura aparece un conejo, como referencia a la etimología de la palabra Hispania (tierra de conejos)

Con distintas variaciones, Esta alegoría nunca ha sido abandonada desde que se formara su heredera España un milenio después de la caída de Hispania.

Y hoy en día sigue usándose, como es más que simbólico el ejemplo de ser la imagen que acompañara a la última acuñación de la peseta y consiguiente desaparición de ésta. El modelo se ha variado ligeramente y es el fijado por Isabel II, donde se ha eliminado el conejo, la corona es mural y se ha añadido el peñón de Gibraltar.

Pevivencia del clasicismo: Siglo XX - Robert Louis Raymond Duflos

Robert Louis Raymon Duflos es un veteranísimo pintor frances de 102 años. Cuando él nació, venía también al mundo Renée Magritte, Gaugin estaba pintando El caballo blanco y Mucha el cartel de Medea. Pocos pintores pueden dar fe de haber vivido el pre-modernismo, la modernidad y el post-modernismo.

El haber nacido en el siglo XIX, en la época del simbolismo y el postimpresionismo, le ha hecho vivir todas las revoluciones artísticas que ha vivido occidente en esta centuria, sin embargo no ha sido su trayectoria afín a ellas. Como pintor, una parte muy importante de su carrera se centró en la docencia, por medio de libros ilustrados para aprender a dibujar el cuerpo humano. Eso le ha llevado a que su obra mantenga un dibujo muy depurado, una perfecta correción anatómica, iluminación suave y colores apastelados. En la parte negativa, sus cuadros también respirar una sensación de "pose" de sus modelos que quizá le reste naturalidad.

Duflos es uno de los ejemplos de cómo el clasicismo no abandonó nunca el panorama del arte en tiempos de las vanguardias, solamente ha sido ninguneado.

Vemos en sus pinturas las constantes del arte clásico que nunca se han perdido: Elegancia, mesura, belleza e idealismo. La temática no es clasicista, pero la intención y resolución de su obra no puede ser más clásica, lo que le hace conectar automáticamente con cualquier expectador.

Duflos es un pintor que, pese a su calidad artística y el marcado valor histórico de su obra, tiene una cotización verdaderamente baja en el mercado, entre 1000 y 1500 € por óleo.

Nueva escultura en viejos edificios

El ganador, de Josef Müllner (1922)

En 1920, el arquitecto neoclásico Peter Von Nobile edificó para Napoleón el Theseustempel, un curioso edificio en la capital austríaca destinado a albergar la obra de Antonio Canova, Teseo y el Minotauro (Actualmente en el londinense Museo de Victoria y Alberto)

Teseo y el Minotauro, de Canova, en su actual ubicación

El edificio en cuestión tiene la peculiaridad de ser uno de los primeros levantados expresamente con una función museística. Su inspiración directa fue el templo de Hefesto de Atenas, de quien la tradición decía que contenía las reliquias de Teseo (por lo que también se conocía como Teseion). Estilísticamente está muy apegado al modelo original y produce una sensanción muy pintoresca al estar enclavado en los jardines franceses del Volksgarten vienés.

Theseustempel (Viena)

Theseion (Atenas)

Sólo había pasado un siglo cuando se le encargó al escultor Josef Müllner una obra que acompañara al monumento. 102 años puede parecer poco tiempo. En época románica, gótica o incluso barroca, no habría de suponer un problema estilístico la adición de decoración pasado ese tiempo, pero de 1820 a 1922 se había pasado del estilo neoclásico a la trasgresión de las vanguardias y la modernidad estaba en una de sus cotas más álgidas.

Lo clásico en 1922: Sócrates, de Brancusi

En esta circustancia, el escultor se vio con la responsabilidad de no faltar al respeto al contexto en el que se hallaba y el trabajo de sus predecesores. Todo ello sin caer en el pastiche ni pretender camuflarse con maquillaje historicista. Realizó una obra contemporánea, vinculada al concepto que inspiró el edificio original (Teseo triunfante) y entendiendo que estaba al servicio del Theseustempel y nunca al contrario.

El resultado fue una obra contemporánea perfectamente sintonizada con el conjunto histórico para la que había sido ideada. Se dice que se ha de aprender de nuestros errores, pero El Ganador del Theseustempel nos recuerda que también de nuestros aciertos.

Lo clásico en fotografía II

En la primera entrada sobre el clasicismo fotográfico hablábamos de las tres vías según las cuales, lo clásico se había adentrado en este nuevo lenguaje artístico: llevando el repertorio formal de la pintura a la fotografía en forma y contenido, llevando sólo la esencia pero no la temática (como Horst) y levando la temática pero no la esencia (ya hablaremos de esta última tendencia).

En la primera tendencia se desarrolló especialmente en el cambio de siglo, antes de la llegada de las vanguardias. Uno de los fotógrafos que cultivó esta manera de trasladar la pintura clásica a la fotografía fue el alemán afincado en Italia Wilhelm Plüschow (1852-1930)

Este artista se especializó en vistas clásicas a las que comenzó a incorporar la figura humana. La figura humana se retrata en marcos clásicos reales, muchas veces mausoleos. Ese gusto romántico decadente por las ruinas es propio de la época, pero también lo utiliza para contrastar la imagen de la vejez y la muerte de la arquitectura con la de la juventud de sus modelos.

La figura humana era generalmente masculina y retratada sobretodo desnuda y con poses clásicistas, abundando la curva praxiteliana. Con ello busca plasmar el cuerpo humano como si de una estatua se tratara.

Ya en su momento fue criticado por el pobre uso de la iluminación y por lo artificioso que se vuelven algunas de las posturas de sus modelos. Quizá sea cierto que estaba más interesado en la composición (a veces rebuscada) que en trabajar las calidades de la luz subre las figuras y aspectos propios del saber hacer un un fotógrafo. No obstante, hoy queda como uno de los mejores ejemplos del clasicismo fotográfico en los comienzos de este arte.

Cementerio Americano Siciliano-Romano y Conmemoriativo

En la localidad italiana de Nettuno se encuentra ubicado el cementerio donde descansan los combatientes norteamericanos de la segunda guerra mundial caidos en Sicilia y Roma.

Se levantó en 1944, en plena consolidación del racionalismo en Europa. por contra, estamos ante un monumento claramente clasicista.

Los motivos de esta estética hay que encontrarlo en la propia naturaleza monumental del conjunto, un canto a la eternidad por lo que la estética clasicista ya da de por sí esa sensación de atemporalidad que buscaban.

La decoración escultórica fue encargada al artista art decó Paul Manship, sin embargo ni es uno de sus mejores trabajos en absoluto ni la arquitectura pertenece tampoco a ese estilo.

Son dos grandes paneles escultóricos de tema alegórico que flanquean la portada principal. La estructura de los dos relieves y la portada columnada queda verdaderamente lograda.

Lo que encuentro más interesante de la obra es que no estamos ante un neo o un "revival". No es un edificio neomanierista, neoclásico, neorrenacentista o neoloquesea. Es clásico, pero no es referencial. Uno no podría encontrar exactamente un estilo histórico que toma como referente. Quizá tiene cierta similitud con la berlinesa Puerta de Brandeburgo e incluso con el Museo del Prado, pero no hay una repetición del modelo o del estilo. Es una obra muy interesante que vuelve a demostrar que se puede hacer nuevo arte clasicista.

Lo clásico en fotografía

La orilla, de Thomas Eakins

El siglo XX trajo la creación y/o consolidación de nuevas expresiones artísticas como el cine, la fotografía, el cómic y el videojuego. Dentro de estas nuevas experiencias hubo diferentes maneras de abordar la herencia clásica occidental con la importante novedad de que se empezaba desde cero, ya que la tradición no existía en ellas por definición: acababan de nacer y todo era experimentación y consolidación de su lenguaje.

En fotografía, el clasicismo se abordó de tres maneras:

1: Asimilando las características propias del mismo y trasladándolas a los nuevos medios (como hemos hablando anteriormente de los autores Irving y Horst).

2: Trasladando formalmente el lenguaje pictórico a la fotografía, tratando la imagen como si fuera un cuadro clásico.

3: Tomando sólo los temas clásicos y mitológicos.

Ya hemos tratado anteriormente el primer punto, así que vamos a centrarnos en el segundo, tomando para ello la obra de Thomas Eakins.

Tomas Eakins

joven reclinado

Tomas Eakins (1844–1916) fue un artista norteamericano cuyos estudios en Francia y España le dieron a conocer de primera mano el academicismo europeo que estaba a un paso de agonizar con el nacimiento de las Vanguardias. Ese lenguaje fue el que adoptó no solo como pintor sino como fotógrafo, tanto en las instantáneas sacadas para sus bocetos como en sus fotografías ex-profeso. Esta similitud la podemos ver en las fotografías que tomó sobre el tema de los bañistas en el río como en sus cuadros de misma temática.

Fue un autor muy interesante que trasladó la estética y temática de academicismo burgués al nuevo arte que estaba consolidándose.