Peter Lindbergh

Aunque pueda resultar extraño, no lo es si se analiza bien: El arte clásico en plena (pos)modernidad ha encontrado su refugio en un lenguaje propio de los nuestros días: La fotografía. Y para ser más exactos, la fotografía de moda.

Bien es cierto que la fotografía, que plasma en un instante una imagen de nuestro tiempo, es una herramienta perfecta para ilustrar todo el movimiento posmoderno, irónico, provocador, trasgresor, superficial (Nadie mejor para plasmar nuestra filosofía que Terry Richardson o Mario Testino) pero una serie de artistas han tomado el testigo de la sensibilidad clásica.

Entendamos el arte como el uso de un repertorio formal para provocar una evocación. En ese caso, todo los elementos formales están al servicio de lo que se quiera evocar y lo que diferencia un estilo de otro, una cultura artística de otra está en qué se quiere evocar, en cómo y por qué. Al final, un cuadro no es clásico por plasmar un dios romano, ni un edificio es clásico por tener columnas y frontones. Serán clásicos si consiguen evocar la sensación anímica que prodoce el arte clásico.

Y la intención de Peter Lindbergh lo es, inequívocamente. Si analizamos formalmente la fotografía que presenta la entrada, encontramos las siguientes características:

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  La figura se perfila con contornos nítidos bien distingidos del fondo. Hay, incluso, una intención dibujística en el uso de la luz.


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  Encuadre centrado.


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  Composición cerrada.


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  Espacio construido por medio de dos planos: Figura y fondo. Ausencia de contrastes.
  

En un plano de la evocación encontramos estos elementos:

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  Escena idealizada. Depuración de toda vulgaridad.


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  Búsqueda de la belleza.


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  Composición elegante.


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  Serenidad. Todo el movimiento queda contenido.

Todos ellos son elementos clásicos. Tanto en forma como en contenido porque lo clásico es una sensibilidad ajena al tiempo.

NeoEclecticismo

Edificio de Nueva Construcción en Florida, EE. UU.

La arquitectura contemporánea de corte clásico parece estar viviendo una reacción similar a la que practicara la revolución moderna a principios del siglo XX. Se están levantando edificios por oposición a la estética moderna igual que se levantaron los modernos como rabieta al arte clásico.

No es tanto la búsqueda consciente del pastiche como huir del estilo moderno. No se sabe muy bien lo que se quiere, pero sí lo que no se quiere. Por eso no se puede hablar de arte clásico actual o tradicional, sino de neoeclecticismo.

Ya el eclecticismo fue una reacción al neoclásico y al neogótico. Sintiéndose encorsetada, nació esta manera de construir ni clásica ni gótica, sino todo al mismo tiempo, usando varios lenguajes anteriores en una misma arquitectura. Así vimos en pleno siglo XIX, edificios egipcios, románicos, mudéjares ect... a veces todo junto dentro de la misma obra.

Lo más importante del estilo fue, como siempre, el espíritu que lo movía. Era un arte libre, aunque hoy nos pueda parecer incoherente en un estilo que se limitaba a retomar elementos ya creados. Nada más lejos de la realidad. Los artistas vieron que pudiendo tomar cualquier elemento anterior, la libertad estilística estaba asegurada. Podían hacer lo que quisieran, no estaban supeditados a ninguna norma. Y de ahí la sensación heroica, enfática, engrandecida que tienen las obras de este periodo (Y de ahí tabién su predilección por el neo-barroco). El ejemplo más claro de este espíritu épico, osado, memorable es la Ópera Garnier de París. Incluso los edificios de lenguaje clásico de la arquitectura ecléctica están insuflados de esta trascendencia (Como el Flatiron Building de Nueva York).

Todos los edificios de corte historicista actuales están enmarcados en esta relectura del eclecticismo y, en cierto modo, han surgido de la misma manera, por huir del ercorsetamiento estético de un estilo artístico que no comparten y, al no existir un lenguaje alternativo, se recurre al mismo tiempo a todos los anteriores.

Ahora bien, el resultado no puede estar más en las antípodas. Toda la magnificiencia del eclecticismo decimonónico, ese pisar seguro, ese "Aquí estoy yo" es tibieza, recogimiento, un "No se vayan a enfadar" en el neo-eclecticismo actual.

El eclecticismo tuvo una interesantísima reacción: El modernismo. A ver a qué nos lleva este Neo-Eclecticismo.

El Encanto

La casa Nautilus

Javier Senosian levantó esta casa particular en Mexico D. F.

No es, ni mucho menos, una edificación clásica, sino que es claramente un edificio posmoderno con fortísima influencia organicista y modernista (Difícil no acordarse de Gaudí o de Wright)

Sin embargo, esta obra añade un elemento psicológico, anímico al planteamiento de la arquitectura que en muy raras ocasiones encontramos. Añade encanto.

El encanto es, según la RAE, Cautivar completamente la atención de alguien. Pero añade una acepción más: Pronunciar un conjunto de palabras con poder mágico para cambiar la naturaleza o la forma de alguien o algo, hechizar.

He ahí la clave: El arte tiene la capacidad de cambiarte, de transformarte. Y, para ello, su arma es el encanto.

Si el ánimo de un artista es crear una obra simplemente destinada a responder a la función encomendada, difícilmente perdurará en el ánimo de quien la observe. No le cautivará. No se producirá el hechizo. Ese es el gran error del arte moderno, negar el encanto por definición. Error que por esas mismas fechas no cometieron los artistas del Art Decó. Ellos sí sabían que el ingrediente secreto del arte es el encanto y que negarlo es negar el arte en sí.

El arte posmoderno busca llamar nuestra atención, pero por medio de lo chocante, lo rompedor, lo trasgresor. No quiere hechizar nuestro ánimo, sólo abofeterarlo. Por eso su capacidad de permanecer en nuestro corazón duura lo que tarda en dejar de doler la bofetada. Se ha equivocado de hechizo.

Quien haya paseado por la nueva alameda de Hércules sevillana sabrá bien de lo que hablo. No hay diferencia anímica entre pasear por la alameda y hacerlo por el aparcamiento de un centro comercial. De nada sirve que te cuenten milongas sobre los juegos de volumenes y afines... de nada sirve sin encanto.

Nuevos Clasicistas: Ettore Greco

Ettore Greco es un escultor paduano afincado en París. Su obra es indudablemente posmoderna, de una inspiración fragmentada del pasado artístico. Sin embargo el espíritu de muchas de sus esculturas tiene un sentido heroico que entronca bien con la tradición del arte clásico.

Decoración pictórica

Estación de Plaza de Armas. Sevilla.

Uno de los pecados capitales de la arquitectura contemporánea es permitir cualquier licencia decorativa. La escultura y la pintura monumental han sido erradicadas como la peste. Quizá, sólo quizá, se le permite el paso a la vidriera y azulejo, pero sólo si prometen estar de paso y ser tan insustanciales (o más) que el propio edificio que les albergará.

Pero al igual que los ríos a los que han desviado el cauce, la naturaleza siempre vuelve a su curso, inundando de nuevo lo que por derecho le correspondía.

Sevilla es buen ejemplo. Edificios sin valores estéticos están viendo cómo sus secos muros están siendo revalorizados gracias a la pintura mural.

Decía el arquitecto Rafael Manzano que no hay edificio tan malo que no pueda ser salvado gracias a una planta trepadora.

Y yo añado: O un buen grafitero.

La Modernidad del Arte Clásico

Terror Antiquus, de Leon Baskt. 1905

El arte del simbolismo es uno de los periodos más interesantes del arte occidental. El es puente entre el arte académico y la trasgresión vanguardista. A nivel formal, comienza el abandono de la ortodoxia, deformando los elementos pictóricos.

Sin embargo, a nivel de contenido permanece la intención de plasmar la subjetividad del artista, de menera continuísta con el romanticismo. De tal manera, el antinaturalismo de la nueva estética responde a la emotividad y sentimientos personales y no a querer predemeditamente romper con la tradición artística.

No obstante, el simbolismo dio como resultado artistas y obras que fácilmente se confunden con el arte de las vanguardias. Los casos más conocidos a este respecto son la obra del pintor noruego Edvard Munch y la etapa azul de Picasso.

El cuadro que ilustra esta entrada pertenece al simbolismo tardío, ya contemporáneo al arte de vanguardia. Lo más interesante al nivel que nos ocupa es que parece una obra de nuetros días, tanto en estilo como en contenido.

Lo que vemos es una especie de "collage". El artista toma elementos independientes y los une en la misma obra. Estos elementos hacen referencia a estilos anteriores, haciendo que la obra sea un diálogo con el arte precedente. Por último, los elementos clásicos no tratan de elaborar una escena clasicista, sino explicar ese mundo clásico.

Estas características son características del arte actual, de eso llaman "Posmodernidad".

Lo extraordinario es que lo hizo una obra pre-moderna.

Distinto Vs. Distinguido parte III

Una entrada sobre la movida madrileña puede parecer fuera de lugar en un blog acerca de la vigencia del clasicismo artístico, pero si consigo expresar correctamente lo que deseo contar, podréis ver la conexión.

Cuando se habla de La edad de Oro del Pop español se refiere siempre al pop surgido tras la caída de la dictadura franquista que, en los años 80, renovó el panorama musical patrio. En muy pocos años, la escena de la música popular se tornó irreconocible. Los críticos y el público ha calificado con ese galardón honorífico, de los años dorados de la música española.

Sin embargo, es imposible encontrar un sólo artista que alcanzar la popularidad de Raphael. Ni un solo cantante llegó a tener la proyección y rotundo éxito internacional de un icono como Julio Iglesias. Ningún vocalista se acercó siquiera a la capacidad de Nino Bravo ni ninguna de las féminas a la de Rocío Jurado. No hubo ni un letrista que se acercara a lo que Serrat había compuesto años antes.

Entonces. ¿Por qué se le llama Edad de Oro, si no se pudo ni siquiera igualar a las grandes figuras de décadas anteriores?

El término es dado porque coincide con los valores socio-culturales contemporáneos, que se iniciaron a principios de los 70 y aun persisten. La música entre 1978 y 1990 supuso un espíritu premeditado de ruptura con la tradición de la música ligera vigente. Se optó por la frescura, por lo novedoso, por la exaltación de la individualidda artística. También por lo agresivo, lo grotesco, lo extravagante. En una palabra: Por lo distinto.

Llamamos Edad de Oro a una música que no fue capaz de superar en ningún aspecto a lo que se había hecho anteriormente. Solamente en el aspecto de la novedad. Novedoso, sí... ¿Pero mejor?

Manierismo

Ninfeo de la Villa Giulia. Roma (1550-5)

Percibo un cierto paralelismo entre el arte global contemporáneo y el italiano de la segunda mitad del siglo XVI. En ambos momentos el arte produjo una reacción sobre sí mismo (ya fuera éste clásico, como el cine, o moderno en el resto de artes) que dio lugar a un arte nuevo que, sin embargo, no utilizó un lenguaje nuevo, sino que reelaboró el lenguaje anterior.

Manierismo y Posmodernismo son sos estilos eclécticos que toma el arte anterior y lo reelabora de manera artificiosa, trasgresora. Pero sin inventar un lenguaje nuevo (como pudo ser el gótico con respecto al románico, o el bizantino con respecto al romano). Incluso manierismo significa "a la manera de"

Se entiende este concepto de crear un estilo nuevo sin crear un nuevo lenguaje, sino jugando con el anterior con este ejemplo:

En el primer ejemplo, vemos un frontón partido, es decir, un frontón cuya parte central ha sido eliminada, quedando sólo los dos pequeños extremos de manera decorativa. El (injustamente) semi-desconocido arquitecto italiano Bernardo Buontalenti tomó estos dos segmentos del frontón y los orientó mirando hacia el exterior. Dio como resultado algo nuevo, algo que no era ni clásico ni renacentista, pero sin usar un lenguaje plástico nuevo (como sí ocurría en el barroco con respecto al manierismo)

La gran diferencia entre ambos, independientemente de la cronología, deriva de la filosofía que las generó. En principio ambos fueron una respuesta a una sensación de impotencia del artista a hacer algo nuevo.

En el siglo XVI achantados por la sombra de los artistas renacentistas, en el siglo XX decepcionados por una Modernidad que no proporcionó el progreso que prometía.

Ahora bien...

El manierismo buscó la artifiosidad, lo rebuscado, lo anecdótico buscando la sofisticación y la elegancia.

Ahora mal...

El posmodernismo en pro de la individualidad y la libertad.

La Modernidad del Arte Clásico

Georg Moller: San Luis de Darmstadt en Dinamarca, 1820-7

La primera iglesia católica del país fue planteada como una adaptación del Panteón romano nada disimulada. No obstante, presenta tanto una depuración extrema de los volúmenes como una fuerte austeridad decorativa. Todo esto, junto al animado uso del color (muy velado en la fotografía, pero muy vivo en la realidad) le da un aspecto que recuerda mucho a de la arquitectura posmoderna y su inspiración en el arte tradicional, su preocupación por el juego de volúmenes, ausencia decorativa y la austeridad formal que suele contrastar con lo pintoresco del color, materiales e intención.

Ciertamente, este edificio de casi dos siglos de antigüedad podría pasar sin mucho esfuerzo para el expectador por una iglesia contemporánea posmoderna, quizá más que por un monumento neoclásico.

¿Qué hace clásica una obra? parte 3

"El postmodernismo no es una tendencia que pueda circunscribirse cronológicamente, sino una categoría espiritual, mejor dicho, un Kuntswollen (Voluntad artística), una manera de hacer"

Umberto Eco

El escritor italiano con esta frase hacía un recorrido por obras de la cinematografía y narrativa clásica/moderna en las que ya se podía encontrar un espíritu posmodernista.

La "forma de hacer", la "voluntad artística" se rastrea una y otra vez en el curso del desarrollo de las formas artísticas. No es exclusiva de ésta o aquella época, de uno u otro período histórico.

Al final, todo se resume a la voluntad artística.

Kant, Popper, Wittgenstein

Se ha dicho que el lenguaje clásico se puede explicar según la doctrina de Kant:

El lenguaje es una herramienta que nos permite experimentar la realidad a través de las mismas reglas de ésta.



Es decir, el lenguaje clásico nos permite experimentar el arte tal y como reflejo de la realidad, de lo que ya conocemos.

El arte moderno se dice que se puede resumir en palabras de Popper:

El lenguaje es una ventana que permite ver realidades que, de otra manera, no podrían ser conocidas.

O lo que es lo mismo, el arte moderno permite adentrarse en la propia personalidad del artista.

Dicen que el arte posmoderno lo ha descrito Wittgenstein:

El lenguaje construye una realidad autónoma diferente a la realidad que perciben nuestros sentidos.

O lo que es lo mismo, el arte es así un instrumento para construir realidades que no necesariamente tienen un referente en la realidad externa.

¿Qué decía Sócrates al respecto?

"El lenguaje con el que describimos la realidad tiene por objeto mejorarla."

El arte mejora la realidad o es un reflejo de ésta, pero mejorada. Y mejora tanto su refejo como la realidad misma...

Sin duda, me quedo con esta definición. No se me ocurre ninguna imagen para ilustrar esta visión del lenguaje artístico, así que lo ilustraré con una cita de uno de los artistas más importantes que ha dado este país.

"Una mujer no necesita ser bella ni perfecta para llevar un de mis vestidos. El vestido lo hará por ella."

Cristobal Balenciaga

El clasicismo en fotografía: El Torso Belvedere

Definía Borges el concepto de obra clásica como aquella que sería como referente para obras y artistas posteriores. De esa manera, desde su descubrimiento en el siglo XVI, el Torso Belvedere es uno de los grandes clásicos de la historia del Arte. Lo sugerente y descontextualizado de su estado fragmentado ha permitido que una gran cantidad de artistas hayan utilizado su postura, movimiento y tipo físico para inspirar diversos personajes en distintas obras.

Detalle de la Capilla Sixtina, de Miguelangel

La capacidad de atracción de esta obra (en su origen una figura ecuestre), no se ha limitado a la pintura y escultura, sino que con el nacimiento de la fotografía se amplió su radio de influencia.

Las dos obras siguientes son ejemplo de ello. La primera es obra pertenece a la estética Art Decó (del fotógrafo Horst P Horst) y la segunda a la estética posmodernista de los fotógrafos Mert Alas y Marcus Piggott. Sólo en el primer caso podemos ver una solución clásica a un referente clásico. Elegancia, contención, mesura, idealismo, refinamiento y exquisitez propia del clasicismo en general, el art decó en particular y Horst en singular.

La segunda fotografía es tan sumamente hortera que me niego a hacer cualquier comentario acerca de ella. Como si no existiera.

El Remodernismo

Eamon Everall -El Matrimonio (2008)

En 1999 apareció en Reino Unido una asociación de pintores que crearon una tendencia llamada Stuckism que han dado lugar a lo que se conoce como Remodernismo. El remodernismo es una reacción al posmodernismo que busca recuperar la modernidad no en su aspecto formal, sino en el aspecto espiritual que consideran perdido por el posmodernismo (especialmente en su faceta de arte conceptual)

Promulga el valor del arte realizado por el artista por oposición al objeto encontrado, la instalación, el arte idea, a veces englobados bajo la denominación de posmodernismo. Estos artistas preconizan el regreso al trabajo mismo con la pintura. En su Manifiesto, sostienen que Los artistas que no pintan no son artistas. El compromiso con el proceso de pintar debe ser íntegro, afirman.

Personalmente, entiendo el Remodernismo como una reacción a la situación artística actual y la incomprensión ante unas experiencias artísticas que se han salido de madre. La pintura y la escultura han dado paso a neones, video instalaciones, video rooms, objetos colocados tal cual como si fuera obras de arte... No sólo el público se siente molesto considerando que los artistas están alejados de su sensibilidad, sino que ha habido una serie de voces críticas dentro del propio colectivo artístico y ésta no será más que la primera. Artistas que quieren que la pintura sea pintura y a escultura sea escultura. Hasta ahí les doy mi más sincero apoyo.

Ahora bien. ¿Re-Modernismo? ¿Volver a la modernidad? Están promulgando una vuelta a las técnicas tradicionales y concepción clásica de los medios pictóricos y lo han llamado Re-Modernismo. ¿Una reelaboración de la modernidad, cuyo motor creador era la ruptura con el arte tal y como estaba concebido?

Y ahora bien, no veo muy bien dónde está la reacción al Posmodernismo, cuando formalmente está englobado en él. El cuadro que he colocado como muestra da claro ejemplo de que maneja los elementos metalingüisticos más característicos del Posmodernismo. Más bien parece que quieren limitar el posmodernismo a lo que pintura exclusivamente, separar el grano de la paja.

En absoluto superarlo u oponerse a él.

La puerta del milenio de Atlanta

Al igual que El Domo de Londres, edificado para celebrar la llegada del tercer milenio, fue reconocido unánimamente por su calidad arquitectónica (me reservo mi opinión...), el monumento con el que la ciudad de Atlanta dio la bienvenida al año 2000 fue vapuleado en todos los corrillos arquitectónicos a lo largo del planeta. Se trata de un arco del triunfo postmodernista, sobredimensionado y descontextualizado.

De una manera muy pragmática, no es simplemente un monumento conmemorativo, sino que en su interior contiene tiendas, cafeterías, un museo...

Yo mismo me sumo a todos los que lo han tachado de fallido... Parece como si estuviera diciendo: "Yo es que pasaba por aquí", claro que también me sumo a la descalificación de otros edicicios de por aquel entonces de los que nadie dice ni media palabra.

No obstante, para la decoración se echó mano del escultor escocés Alexander Stoddart. Éste realizó un trabajo muy destacable, con una serie de imágenes alegóricas que dan un aspecto clásico decimonónico a un edificio que buscaba ese efecto y terminó pareciendo recién salido de un parque de atracciones.

más información: http://www.thegateatlanta.com/

Neo Paganismo

Interesandome por la obra del escultor japonés Etsuro Sotoo, uno de los autores que colaboran en la decoración escultórica del templo de la Sagrada Familia de Barcelona (tratando de contrarrestar lo que Josep Maria Subirachs está perpetrando en el mismo), he recuperado el dato de que se ha convertido al catolicismo para poder entender mejor la obra que está realizando.

Eso me hizo pensar lo superficial que resulta a cualquier artista plasmar una escena religiosa pagana, algo que durante milenio y medio se ha venido haciendo sin el significado original (o usando el continente para otro contenido). Sin embargo, hay ciertas corrientes actuales que tratan de recuperar la antigua religión greco-romana. Hoy nos puede resultar extravagante (cuanto no absurdo) pero hay necesidades espirituales que las religiones establecidas parace no satisfacer a una parte de la población, por lo que han buscado lejos dónde encontralo.

Al fin y al cabo, hace dos milenios una parte importante de la población mediterránea acogió la nueva religión cristiana porque la oficial no les llenaba tanto como la que estaban empezando a descubrir.

El nuevo paganismo se engloba dentro de los recostruccionismos o reinterpretaciones religiosos, de los cuales el más importante es el celta. Todos estos renacimientos tienen una base espiritual vinculada a la ecología y a la madre tierra, muy al estilo del new age, especialmente el neo-helenismo, puesto que el neo-romanismo o reconstruccionismo romano tiene unas raices mucho más asentadas.

Tras la adopción del cristianismo como única religión por parte de Teodosio I, la religión romana quedó relegada al ámbito privado o familiar (salvo en períodos como el gobierno de Juliano II, quien devolvió la libertad religiosa... por poco tiempo) así, que no es fácil saber cuándo se extinguió la religión romana... si es que así fuera.

Ha habido a lo largo de la historia brotes de recuperación de paganismo romano, como con Pomponio Leto en el siglo XIV o con el círculo del mismo Mussolini. Pero se ha centrado mas bien en festividades y rituales, al igual que el neohelenismo es new age vestido de vestales. No queda claro que verdaderamente crean en el paso del río Estigia o en la intervención de los dioses en la vida cotidiana.

Pero lo más interesante de este movimiento me resulta a nivel artístico, o más bien lo que podrian llegar a hacer, porque no han dado ningun arte oficial religioso. Habrá que esperar.

Caballo de Troya

Otra obra de Christina Neofotistou en la que utiliza la temática clásica, disfrazada de cuadro de Dalí, para exponer su visión sobre las relaciones de poder hombre-mujer.

Lo que trata de expresar por medio de esta obra (igualmente realizada sin soporte físico) es cómo fueron las propias sociedades matriarcales las que engendraron a las patriarcales.

De ahí que los guerreros masculinos abandonan el cuerpo femenino de una manera que recuerda a esos insectos que se desarrollan dentro de la madre y se alimentan de ella antes de salir al exterior.

Todo esto lo exterioriza por medio de la posición sumisa de ella, la llave fálica y la actitud violenta de los hombres que emergen de su envoltorio femenino, vaciándola sin mirar atrás. Según las palabras de su autora:

Las mujeres alzaron a los hombres hacia la falocracia. ¿Por qué? Las sociedades falocráticas sobreviven superponiéndose a las normas de sus ancentros. El desnudo representado es culpa mía, la violencia representada, de la sociedad.

Perseo y Andrómeda

Esta obra de la artista griega Christina Neofotistou es verdaderamente llamativa por varios motivos. En primer lugar por su edad, sólo 25 años. En segundo, por el tiempo empleado en realizar esta obra: 3 meses. Y en tercer lugar, por el medio utilizado: Photoshop. No es un cuadro ni una ilustración: Es una obra virtual, lo cual nos muestra que las nuevas tecnologías no solo sirven para llenar los museos de pamplinas que solo logran reirse del espectador (y el espectador de ella) sino que resultan un instrumento muy válido cuando se propone hacer arte de verdad.

Un análisis formal de la obra nos lleva a ver cómo se han intercambiado los roles entre Andrómeda y Perseo, siendo ésta quien ha de salvar al héroe. Esta revisión de la relación hombre-mujer a mi ya me aburre un poco, pero está claro que a su autora no.

A nivel estilístico, se puede considerar que se ha retomado la obra de Dalí y, a partir de ella, su creadora ha realizado su propia visión de la misma. Pese a que tiene otras obras en las que la influencia daliniana es aún más evidente, en ningún momento trata de esconder que su punto de partida es el pintor español.

Ella misma en su web explica la metáfora del pez-falo. El monstruo marino es un pez abisal (un enorme pene) que va a devorar al pez chico (el hombre relegado a la función de ser un simple y diminuto pene). Sin embargo, la fémina matará al gran pene para salvar al pequeño.

Al final el mensaje es que la mujer acude a la llamada genital, con lo cual la supuesta visión feminista de la fuerza femenina como activa, no como pasiva, queda bastante matizada.

Tendencias de la figuración contemporánea

Es dificil hacer una compartimentación de los distintos estilos que dentro de la figuración se dan hoy en dia: Las influencias son enormes, así como la individualidad de los artistas. Si bien estas son las trazas de algunas de las corrientes más importantes que se dan en la pintura figurativa de comienzos de siglo.

FOTORREALISMO

La tendencia mas afín a los tiempos modernos y la universalización de las nuevas tecnologías. En este caso,la fotografía. Se llama Fotorrealismo a plasmar en un cuadro un modelo fotográfico de la manera más fiel posible, consiguiendo que la propia pintura parezca una fotografía. Es,por tanto, un estilo muy mundano que refleja la realidad cotidiana que nos rodea.

HIPERREALISMO

Es una variación surgida del Fotorrealismo que supone una radicalización de éste. El Hiperrealismo busca ser más objetivo aun que la fotografía. Produce unas imágenes neutras, asépticas, abstraídas. Parecen como si no hubieran salido de la mano de un artista. Arte que muestra la realidad de una manera asombrosamente real pero fría y cruda. Pintores como Antonio López han roto con esta asepsia propia del estilo para dotar a sus obras de una fortísima carga de lirismo. A esta variante del Hiperrealismo se la llama Hiperrealismo mágico (o Realismo Mágico, simplemente)

REALISMO INTIMISTA

Se caracteriza por buscar una atmósfera onírica, ensoñada por medio de velar y deshacer objetos cotidianos. Los géneros más usuales son el bodegón y el paisaje.

ANACRONISMO

De toda la pintura contemporánea, esta es la más claramente posmodernista. Se trata exactamente de una mixtura de elementos históricos por meros motivos decorativos, sin más pretensión que la estética. Es usual que un pintor encuentre un cuadro o estilo en un libro, revista o la red y la reproduzca simplemente porque le ha gustado. Posmodernismo puro. A este estilo se le llama también Nuevo Clasicismo. Escogí ese nombre para el blog por rebelión. Esto NO es clasicismo.

NEOFIGURACIÓN

Arte figurativo con un marcado caracter expresionista o abstracto. Saura y Bacon son son los ejemplos más conocidos. Es el estilo realista más agresivo, individualista y más alejado de la figuración.

FIGURACIÓN NARRATIVA

Pintura social, cotidiana, con un fuerte contenido. Está muy influenciada por la fotografía. Refleja el mundo que nos rodea, nuestras ciudades, campos. Pintura con un carácter muy humano. Emparentado con el Fotorrealismo por su temática, pero difieren en que la técnica no es fotorrealista.

Como se puede ver, no parece haber un hueco para el arte de tradición clásica en una figuración dominada casi exclusivamente por el Realismo.

La reconstrucción del Coloso de Rodas

El Coloso de Rodas fue una gigantesca escultura de bronce del dios Hélios, levantada en el siglo III a. C. por Cares de Lindos. De proporciones similares a la actual estatua de la libertad neoyorkina, se apoyaba sobre una peana mucho más baja que ésta.

La iconografía habitual la sitúa en el puerto de la ciudad, con las piernas separadas bajo las cuales se adentraban y marchaban las distintas embarcaciones.

Ciertamente, debido a su tamaño, se habría derrumbado por su propio peso de haber sido esa su estructura. La realidad es que no era la enrtada al puerto, sino que estubo ubicada en una colina cercana a éste.

Tras el proyecto de la reconstrucción del Artemision de Éfesos, ahora me llega la noticia que la isla de Rodas piensa hacer lo mismo con su celebérrimo coloso, el cual solo tuvo una vida de 70 años.

En este caso no se tiene pensado una recuperación del modelo antiguo, sino una nueva obra encargada a Gert Hof, un artista conceptual especializado en esculturas de luz. Es decir, inutil albergar alguna esperanza de un mínimo respeto a la historia.

He encontrado dos versiones del futuro sucedáneo de Coloso. La primera indica que será una escultura de metal, visitable por dentro, como la estatua de la libertad. Sería realizada con los antiguos dracmas griegos anteriores a la implantación del Euro. El Coloso original fue levantado gracias a la fundición de las armas de los ejércitos vencidos, de ahí el simbolismo de utilizar las antiguas monedas como materia prima.

La otra versión dice que se trata de una escultura de luz. Por la obra de su autor, seguramente ésta sea la versión final.

En lo que cooinciden todas las fuentes es en la altura. Pese a los 32 metros del verdadero Coloso, se piensa llegar hasta los 100 en esta nueva recreación. La horterada resultante puede ser algo bastante parecido a esto:

Artista → Obra de arte → Expectador (parte final)

Este tema en principio me debia durar sólo una entrada, pero he visto que antes de nada tenía que explicar en qué consisten los términos Sujeto artístico (Artista) → Objeto artístico (Obra de arte ) → Experiencia artística (Expectador) y, brevemente, qué es la modernidad y posmodernidad.

En esta tercera entrada me centraré en cómo se conjugan los tres elementos propios del hecho artístico en las dos realidades artisticas contemporáneas.

Ciertamente sabiendo qué es el arte moderno y posmoderno y conociendo igualmente que en el arte intervienen tres elementos que se relacionan entre sí de distinta manera según el estilo artístico, podemos sacar fácilmente cual es la relación entre artista-obra-espectador hoy en día.

Decía en la segunda de mis entradas sobre este tema, que aunque modernidad y posmodernidad son movimientos que andan en dirección opuesta, coinciden en la visión individual de las obras.

La modernidad porque su motor es la innovación y, como tal, cada artista va por un camino distinto, la posmodernidad porque es la subjetividad quien la articula. Pero en ambos casos estamos viendo un lenguaje entre el artista y su obra sin tener en cuenta en absoluto al receptor de la misma.

Cuando entramos en una galería de arte, lo que nos encontramos la gran mayoría de las veces es con la obra de un/a artista completamente indescifrable para nosotros.

Vemos expuestas una serie de obras que nos pueden resultar más o menos agradables, estéticas... pero de las que desconocemos su contenido porque su creador no se lo ha propuesto. Su obra está pensada para si mismo, no para el espectador.

Las obras de arquitectura juegan a lo mismo, los edificios "con pretensiones" son monumentos al ego de su creador, descontextualizadas.

Se les llena la boca diciendo que los edificios se hacen como servicio social, pero son algo mas parecido al faraón mandandose levantar su pirámide. Volvemos a encontrar el diálogo sujeto artístico-objeto artístico desdeñando al receptor del mismo.

Todo esto llega a su cúlmen en el arte conceptual. Éste es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó.

La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte.

En este caso vemos que el sujeto artístico es a su vez objeto artístico, puesto que la obra de arte es un mero concepto creado en su cerebro. El espectador es completamente despreciado.

Esta es mi (subjetivísima) reflexión final: Qué sentido tiene mostrar una obra que no ha sido concebida para el espectador.

Si una obra de arte no es más que el reflejo del maravilloso e interésantisimo mundo interior de su creador... ¿A quién verdaderamente le interesa más que a él mismo? ¿para qué lo expone si lo ha creado para sí mismo? ? No es acaso como ir a una conferencia y que el ponente de su discurso en otro idioma?

¿Cuando va a volver el arte a tomar en cuenta al espectador no sólo para que éste aplauda su homenaje a sí mismo?