Pervivencia del Clasicismo: Mudéjar

Centauro del artesonado de la Catedral de Teruel. S XIV

Pervivencia del clasicismo

Juan Van der Hamen: Ofrenda a Flora (1627)

Tras la entrada sobre Juan Van der Hamen, traigo esta Ofrenda a Flora, compañera del anterior cuadro. De temática mitológica y ambientado en un jardín clásico, no deja de ser un retrato de una dama de la época "disfrazada" de diosa romana (moda habitual en este periodo). Al igual que en el tratamiento de  Pomona y Vertumno, la visión de la escena es clásica, idealizada, alejada del naturalismo del resto de pintores españoles en sintonía con el barroco clasicista europeo.

Pervivencia del clasicismo

Esta obra es excepcional por varios motivos. En primer lugar por ser una de las escasas esculturas que realizara uno de los más importantes pintores de toda la historia, El Greco. En segundo lugar, porque se encuentra en el mueo del Prado y a casi todos pasa desapercibida. En tercer lugar (quizá la más llamativa) es que no se trata de Adán y Eva, sino de sus equivalentes en la religón clásica: Epimeteo y Pandora.

Pese a lo recurrente que fue la mitología en el arte renacentista italiano, en España tanto el desnudo como la temática clásica pasó de puntillas hasta el barroco (y despojado siempre de todo idealismo, pauta que ha caracterizado el arte español casi en su totalidad).

Esta es una de las escasísimas muestras de clasicismo españolas en este momento, en la que El Greco se amoldó a la tradición escultórica autóctona (madera policromada) pero que demuestra que el arte clásico es un superviviente nato.

Pervivencia del Clasicismo: GÓTICO

Mosaico de la navicella. Giotto S. XIII

Este maravilloso mosaico fue realizado por el maestro italiano para la antigua basílica del Vaticano. Si bien Europa asistió durante el gótico a un naturalismo cada vez más creciente que desembocó en los renacimientos italianos y flamenco, en esta obra encontramos un conocimiento del arte clásico más que notable.

Por ejemplo, los vientos que mueven la barca de San Pedro (navicella significa navecita) están representados como las personificaciones divinas romanas de las distintas corrientes aéreas.

Este clasicismo responde a que Giotto estuvo trabajando sobre un edificio romano y fue realmente respetuoso con el entorno para el que realizaba el mosaico. Ojalá todas las intervenciones fueran igual de respetuosas, pues en pleno siglo XXI no hemos aprendido esa lección aún.

Esta pieza es de lo poco que se salvó de la destrucción de la basílica constantiniana para dar lugar a la actual iglesia del Vaticano.

Pervivencia del Clasicismo: RENACIMIENTO CAROLINGIO

Códice Aratea de Leiden. S. IX

Copia de un tratado astronómico encargado probablemente por Ludovico el Pío, hijo y sucesor de Carlomagno. Es una copia de un texto romano encargado por Germánico, padre del emperador Claudio, y copia a su vez de un original griego.

Las ilustraciones, a toda página, representan las constelaciones y reflejando el mismo estilo clásico del original, incluyendo dioses y pasajes de la religión romana. Es otro interesante ejemplo de la pervivencia del legado y estética clásica durante el milenio que ocupó la edad media que, pese a sus altibajos, nunca abandonó el arte europeo.

Pervivencia del Clasicismo: GÓTICO

Pomo del portón de la catedral de Colonia

Este picaporte que se salvó de la destrucción de los bombardeos de la segunda guerra mundial (poca cosas en Colonia pueden decir lo mismo) muestra una arpía o sirena que mira altiva al espectador.

No es inusual tirar de la tradición clasica en el bestiario medieval, pero es de resaltar lo romano de los rasgos faciales de esta mostruosa mujer fatal.

Pervivencia del Clasicismo: S. XX

Valentin Serov: El rapto de Europa, 1910

Valentin Serov fue uno de los más importantes retratistas rusos de fines del siglo XIX. De fuerte carácter realista, se dejó influenciar por el simbolismo e impresionismo, dando como resultado un estilo bastante rico. En plena efervescencia del arte moderno, el artista se centró en el arte mitologico dando libertad a su influencia modernista.

Esta representación de Europa raptada por Zeus es una muestra de cómo el simbolismo se adentró en el siglo XX, la época de las vanguardias. Sobresale el carácter "antiguo" de la representación. La dama está diseñada como una escultura arcaica griega e, incluso, el dios no es un toro, sino un Uro (Su antepasado).

De esta manera nos adentra en los inicios de la historia, donde se funde mito y realidad.

Pervivencia del Clasicismo: ROMÁNICO

Sibila del Pórtico de la Gloria, Santiago de Compostela.

El uso de personajes clásicos (paganos, incluso) en la iconografía cristiana tiene una doble lectura. Por una parte, el mantenimiento y conocimiento de la cultura clásica durante la edad media.

La segunda razón es la justificación profética.

La inclusión de personajes profanos de raigambre clásica, de uno u otro modo relacionados con la Redención, en un programa iconográfico religioso viene a demostrar la deuda que el mundo intelectual medieval reconocía al mundo clásico.

El papel de estas figuras en la historia del cristianismo era fundamentalmente profético. Los personajes profanos anunciaban, desde un pasado remoto, la salvación cristiana por medio de mensajes simbólicos que debían ser interpretados..

Pervivencia del Clasicismo: S. XX

John Singer Sargent: Orestes perseguido por las Furias, 1927

John Singer Sargent fue un pintor norteamericano nacido en Italia célebre por la elegancia y exquisitez de sus retratos. En una época de combulsas revoluciones artísticas él fue siempre fiel al realismo pictórico de confesada influencia velazqueña.

Esta obra de tema mitológico parece salida del pincel de un autor modernista, pero está alejada temporalmente de ese estilo. Revela el momento en el que la culpa persigue al héroe trágico de la guerra troyana tras asesinar a su madre. Pese al gusto de su autor por los interiores pormenorizados, los sustituye por un violento rojo, tal cual la sangre derramada en las manos del asesino.

Es uno de los pocos ejemplos del siglo XX en los que la mitología se ha tratado como tema en sí, no como ejercicio de estilo o revisión histórico-artística.

Pervivencia del Clasicismo: ARTE CAROLINGIO

Selene, 860 - 890

Representación mitológica de la diosa romana en esmalte, montada en su carro celestial y coronada con halo (como Helios) y media luna. Llamativo sobretodo por un estilo que más se asemeja al arte del siglo XX que al clásico.

Pervivencia del Clasicismo: BIZANCIO

Crucifixión. Mediados del S. X

Excepcional relieve en marfil, originariamente parte de un tríptico del que sólo se conserva esta placa. A primera vista se observa un conjunto bastante clasicista, sobretodo para la centuria en la que se realiza, en plena madurez del arte bizantino. Recuerda más bien al arte tardorromano, especialmente en las figuras de María y Juan y en la de los soldados romanos bajo la cruz. La figura de Cristo, por contra, ciertamente tiene el hieratismo y majestad propia del arte de la época.

En la base de la cruz, se haya una firura recostada, de la que nace el madero vertical. Es Hades, dios del inframundo clásico. En griego, a la derecha de esta divinidad, una inscripción no da lugar a dudas: "La cruz se implanta en el estómago de Hades"

No es un símbolo de victoria de una religión sobre otra, como se podría pensar y la sensibilidad actual automáticamente asociaría). Es un curioso caso de sincretismo religioso. Cristo, la vida, vence a Hades, la muerte, como metáfora de la resurrección.

Esto indica que el pueblo llano del año 950 conocía y tenía en mente la herencia grecorromana, puesto que entendería el mensaje con elementos clásicos que narra el tríptico.

Pervivencia del Clasicismo: ROMANICO

Esmalte flamenco 1160. Autor desconocido

En la plentud del lenguaje románico, aperece esta obra de temática religiosa pagana. El dinamismo de la escena es clásico, si bien el fondo dorado tiene reminiscencias bizantinas y la abstracción vegetal, influencia oriental.

Pervivencia del Clasicismo: GÓTICO

Giovanni Pisano - Púlpito de la catedral de Pisa. 1265-1268

El escultor italiano trabajó con su padre en la decoración escultórica de este púlpito en el sustituye las columnas por atlantes y cariátides. Junto a representaciones teológicas como las Virtudes, se yergue este heroico Hércules, realizado a la manera clásica pero espíritu inequívocamente gótico.

Pervivencia del Clasicismo: RENACIMIENTO OTONIANO

Cruz de Lotario. S XI

Llamativa cruz procesional otoniana pero aún más llamativa es su decoración clásica. La pieza fue decorada con camafeos clásicos, coronado por el retrato de Augusto. Es asombrosa la utilización de la imagen de un emperador pagano en un objeto cristiano, si no se entiende como una legitimación imperial. El encargo de esta pieza está atribuída al hijo del emperador Carlomagno, Lotario, y eso explicaría la asociación del emperador del Imperio Romano con el germano.

No obstante, hay camafeos aun más llamativos. Una de las imágenes muestra a Caracalla, al que se le ha añadido una cruz y el nombre de San Pedro, y otro camafeo con las tres Gracias, elemento claramente pagano.

El reverso fue decorado con un grabado de un crucifiicado ya de época románica de un naturalismo en la misma línea clásicista.

Quiero recalcar con esto la asunción natural de la tradición clásica durante la edad media, aspecto que suele obviarse a menudo.

El Capitel de la Orestíada II

Estaba interesado en insistir en la influencia del Sarcófago de Husillos en el Maestro de Fromista-Jaca, visto que a primera vista pueda escapárse y aclarando así el comentario dejado en la entrada anterior.

El sarcófago muestra, de izquierda a derecha:

1. Las furias (personificaciones femeninas de la venganza) dormidas sobre la tumba de Agamenón, padre de Orestes.
2. La nodriza de Orestes, apartando la mirada del crimen.
3. Orestes asesinando a Egisto (a sus pies), amante de su madre y asesino de su padre, y limpiando el arma en un paño.
4. Orestes huyendo (o su compañero Pelias)
5. Su madre, Clitemnestra, yaciendo muerta en el suelo.
6. Las Furias, acosando, con serpientes en las manos.
7. Un siervo, tratando de esconderse del crimen del Orestes.
8. Orestes, en el templo de Apolo, purgando su crimen, con una furia dormida a sus pies.

El capitel de la Oristíada simplifica la narración por motivos de espacio. No es podible desarrollar toda la historia del friso en tan pequeño espacio, pero se reconoce bien los elementos que ha tomado de la obra original.

1. Las Furias dormidas han desaparecido del capitel.
2. La nodriza se aparta del crimen. Aparece completamente desnuda y con la particularidad de ser ella quien parece ser asesinada. O Bien el escultor confundió la escena original y creyó ver que la nodriza no huía, sino que era atacada, o ha sustitituido a Clitemnestra por ella.
3. Orestes, desnudo, atacando. Parece una síntesis de las dos representaciones de Orestes (U Orestes y Pelias). Sostiene el arma como el primero pero la postura es tomada el segundo.
4. Clitemnestra y Egisto muertos han desaparecido, así como el esclavo.
5. Las furias acosan a Orestes. El paño que las tapa surge en el capitel de la boca de un león. Sostienen serpientes al igual que en el sarcófago. Una de de ellas está agachada, tomando el lugar de la Furia dormida de la derecha.
6. La escena de templo ha desaparecido (pero no La Furia).

Estas diferencias de composición hacen ver que el escultor no conocía el significado de la escena original. Sobretodo le delata el equivocarse al confundir a la nodriza huyendo con la asesinada. El no diferenciar bien qué furia pertenece a qué escena hace suponer que no era consciente de que la narración original estaba compartimentada en capítulos y/o cuales eran estos.

No obstante, es obvio que el escultor fue consciente de que el sarcófago mostraba una escena pagana y así la representó en el capitel, aunque no conociera exactamente el capítulo religioso que narraba. Esto es lo más importante de la obra. La temática es pretendidamente mitológica. Y todo esto siglos antes del Renacimiento italiano.

El Capitel de la Orestíada

El llamado Capitel de la Oristíada de San Matín de Frómista es una pieza de excepcional importancia desde diversos puntos de vista. El primero de todo es el grado de calidad de su factura técnica. Es sorpresiva la vitalidad y dinamismo de su composición y la finura de su ejecución, contrastando con la plástica general de las obras contemporáneas del Siglo XI.

El clasicismo de la obra parece rematado con dos desnudos frontales de corte naturalista y que se muestran sin pudor, algo que no solemos asociar a la Edad Media. Matizar que lo que encontramos actualmente es una réplica. El original fue mutilado, al igual que todas las imágenes que mostraban los genitales en el templo.

Pero hay mucho más clasicismo de lo que se observa a nivel formal. Estamos con casi toda seguridad ante una escena mitologica en plena época románica.

Para entenderlo hay que remontarse a Husillos, Palencia, donde un sarcófago del Siglo II d. C. fue reutilizado para el enterramiento de un noble local. Los relieves que la decoraban narraban la venganza de Orestes hacia el asesino de su padre Agamenón y amante de su propia madre.

Esta muestra del arte de época de Adriano marcó definitivamente al escultor conocido como maestro de Fromista-Jaca, quien desarrolló un estilo clásico que demuestra el fortísimo embrujo que el arte romano ha despertado en el arte posterior. Este tipo de comportamiento, la de un artista que descubre el arte clásico y lo vuelve a recrear, es algo que hoy atribuímos exclusivamente al renacimiento italiano y, como podemos ver, de manera completamente errónea.

El Maestro de Frómista-Jaca trasladó el estilo y la iconografía del sarcófago al capitel, si bien desconocemos si sabía del contenido de la historia representada. Sea como fuere, involuntario o no, estamos nada menos de ante una representación mitológica en el siglo XI. Todo ello precisamente en el marco de una iglesia y cuatro siglos antes de su "descubrimiento" en la Florencia renacentista.

Pervivencia del Clasicismo: ROMÁNICO

Portada norte de la iglesia de la Asunción de Bossost, Lérida. S. XII

A primera vista, lo que vemos es un típico tímpano románico con un pantócrator rodeado de los cuatro evangelistas. Pero si nos fijamos bien, a ambos lados de la imagen de Cristo hay dos círculos con un rostro en su interior. Es una asombrosa representación del sol y la luna de manera antropomorfa. Es decir, la representación de Helios y Selene en una iglesia cristiana.

Lo clásico en fotografía

Ulises, de Annie Leibovitz

Annie Leibovitz es una fotógrafa norteamericana de dilatada trayectoria profesional. Una de las claves que ha mantenido inalterada durante toda su carrera es la elegancia y mesura hasta la temática bufa y la composición muy contenida, incluso cuando retrata una escena en movimiento. Todo eso la cataloga como una de las fotógrafas de prestigio más clásica y a veces, como en esta fotografía, también clasicista (dentro de su obvia postura posmoderna).

Para recrear la escena de la Ilíada de Ulises y las sirenas, ha prescindido de toda referencia histórica clásica, pero no de la esencia del arte clásico.

George Clooney, seguramente el más elegante de los actores contemporáneos, interpreta al héroe con actitud atemperada, al igual que las sirenas. Éstas no tienen una iconografía híbrida, sino que son completamente humanas y no resultan amenazantes, pareciendo más bien ninfas.

Pese a la completa descontextualización del tema original, hay un juego clásico reinterpretado en clave posmoderna .

La obra parece estar más inspirada en la historia de Hilas y las ninfas que en la de Ulises, y le encuentro bastantes puntos de conexión con el cuadro del mismo nombre de John William Waterhouse.

¿Qué hace clásica una obra? parte 2

Frescos de la Villa de Boscotrecase. S. I d. C

Éste es otro ejemplo de obra romana dinamitando los cimientos de la narrativa clásica. En una misma composición hay plasmados un par de episodios distintos. Se puede ver a Perseo representado en dos ocasiones, la primera yendo a rescatar a Andrómeda y a segunda Perseo visitando al padre de la princesa ya a salvo. Y a todo eso sumamos un completo desprecio por las leyes de representación espacial, donde el palacio real aparece en la "nada" sin unas proporciones ni perspectivas coherentes.

Si un artista hiciera una composición similar, le tacharían de anticlásico. Pero no se puede mirar estas pinturas y catalogarlas como tal.

Lo que hace que estos frescos sean clasicos no es la temática, ni la composición. Es su esencia.

Pintura griega

Reconstrucción de las pinturas funerarias de Vergina

Habiendo hablado de la pintura sobre papel de época romana, quería hablar de otro apartado del arte clásico muy poco conocido y cuyos restos son tan escasos que hay grandes lagunas entre unas y otras.
Nada queda de los grandes pintores del periodo clásico como Apeles, Polignoto, Apolodoro, Zeuxis o Parrasio, pero de época helenística sí se ha coservado algunos restos de pintura mural, gracias al descubrimiento de enterramientos con pintura funeraria. Gracias a las necrópolis hemos conservado pintura romana en España. La pintura etrusca ha tenido la misma suerte y esperemos que algún día podamos decir lo mismo de la íbera.

Curiosamente de época arcaica se ha conservado unos pocos restos de pintura sobre tabla.

Es apreciable el enorme parecido que la pintura de caballete mantenía con la célebre pintura sobre cerámica. Sólo se ha conservado cuatro tablas encontradas en la cueva de Pitsa, en el Peloponeso, pero de no haber nada, cuatro pinturas son mucho.

La pintura helenística se localiza en la antigua capital macedonia, Vergina (hoy territorio griego). Pinturas han sido halladas en enterramientos reales como el del mismo Filipo II, padre de Alejandro Magno. Algunas tumbas hacia tiempo que habían sido expoliadas, pero los ladrones dejaron intacto el que hoy es uno de los tesoros de la historia de la pintura: Una mínima muestra de pintura griega cuando se creía desaparecida.

Aunque a ojos contemporáneos la pintura mitológica parece tener una función decorativa, no se debe de olvidar que estamos hablando de una verdadera religión y en esta tumba se conserva una escena religiosa muy apropiada para un contexto funerario, con el vivaz rapto de Perséfone por Hades.

La pintura del resto de tumbas se establece a modo de frisos (de temática de caza, banquetes funerarios muy similares al de las tumbas etruscas), estelas o incluso figura humana exenta

Otras pinturas que se han conservado en Vergina pone en conexión el estilo de la pintura helenística con la romana. Esto se debe a que parte de la pintura que se ha conservado en Pompeya y Herculano son copias de pinturas griegas hoy perdidas.

Desgraciadamente, algunos de estos excepcionales descubrimientos fueron destruidos desenterrando las propias tumbas.